MARTINHO DIAS

MARTINHO DIAS – entrevista

KLASSIK INTERNATIONAL Brand, Barcelona – Nova Iorque, 2018

Por Laura Gomez

 

Enquanto artista, como se define?

– Considero-me um artista figurativo, expressivo, sério e humorado. Interessa-me muito o conceito, mas não sou conceptual. Não consigo mostrar o que quero unicamente através da mente. Habitualmente sirvo-me da pintura, com tintas, pincéis e cartões magnéticos.

No essencial, eu serei um (re)construtor de narrativas, um manipulador de imagens e de contextos.

 

Há quanto tempo está na Arte?

– Eu diria que estou na Arte desde que me conheço, tendo começado pela “arte de brincar”. Fui sempre uma criança muito ocupada e quando não tinha ocupação, inventava-a. Nunca quis ser astronauta porque achava impossível, mas acreditava que poderia voar com uns cartões grandes, em forma de asa, amarrados aos braços – tudo correu bem, sempre, menos voar.

Construí, destruí, ampliei e reconstruí um elevado número de casas (habitáveis) no quintal.

Com proteção divina, servia-me de ferramentas cortantes para construir, em madeira, barcos, aviões, uma mesa ou uma estante. Mais tarde, o meu primeiro cavalete, depois o atelier.

Na minha primeira pintura a óleo utilizei água para “diluir” as tintas...

Frequentei a Escola Soares dos Reis e depois a Faculdade de Belas Artes do Porto. Trabalhei como ilustrador para diversas Editoras e lecionei Artes Visuais até 2009. Ao mesmo tempo procurava participar em exposições e bienais e promover o meu trabalho junto de galeristas e colecionadores. Enquanto isso, continuava a inventar tempo para pintar.

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Qual a temática que melhor o define?

– A minha temática é sobretudo social, jogando com o poder e a falta dele ou com comportamentos diversos conectados entre si. Gosto de ver diferentes modalidades (incompatíveis, por norma), a jogar no mesmo campo: umas vezes pode ser a tela, outras, a vida. Interessa-me a figura humana e a sua condição, em movimento congelado. As minhas figuras raramente surgem isoladas, mas sim, fazendo parte de narrativas muitas vezes paradoxais, surreais ou mesmo absurdas. Isto para tentar algum equilíbrio com o excesso de “realidade”, de “lógia”, de “liberdade”, de “tolerância” e de “verdade” em que estamos submersos. Queremos pôr a nossa marca em tudo e acabamos por marcar muito pouco.

 

Onde encontra inspiração naquilo que faz?

– A inspiração encontro-a no tempo que vivemos atualmente, sobretudo, e na forma como o vivemos. Noticias e imagens dos media também podem ser inspiradoras. Mais do que os factos, interessa-me o modo como os humanos se relacionam entre si – o modo como nos comportamos em sociedade e em privado. Baseio-me naquilo que conheço, mas também naquilo que desconheço. Não faço uma ilustração disso, antes prefiro equacionar composições possíveis.

 

O que o motiva a trabalhar?

– Para além do ponto de vista profissional, sou motivado pela necessidade de materializar e concretizar algo. Só assim o poderei dar a conhecer ao outro – esse é o meu trabalho.

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Nos seus trabalhos, qual a experiência da sua vida que melhor se reflete?

– Simplesmente a experiência de viver.

 

O que significa ser criativo?

– Ser criativo significa ser capaz de fazer algo novo com aquilo a que todos têm acesso, mas que ainda não foi feito. Como as palavras, por exemplo. Todos nos servimos das mesmas palavras que os escritores ou poetas, mas só alguns fazem as combinações sintáticas que os distinguem de outros. A criatividade e a criação não são propriedade dos artistas. Há muita gente comum, menos comum do que toda a gente. Ser criativo, devia ser uma obrigação!

 

Há certamente artistas que o influenciaram no seu trabalho... Quais?

– Contrariamente à tendência para catalogar, definir e dar nome a tudo, eu prefiro o “agridoce”. Tempos houve, em que a música rock fugia da música clássica como o Diabo foge da cruz. Hoje, apesar de muitas combinações panfletárias, podemos assistir a casamentos admiráveis entre uma guitarra elétrica e um violino, por exemplo.

Por outras palavras, poderei ficar absorvido pelos arranhões, manchas acidentais ou gestos brutos, com combinações tradicionais, esfumadas, precisas, fotográficas ou minimalistas.

Para clarificar melhor a pequena salada que acabei de fazer, imaginemos uma obra comum com estes artistas: Sigmar Polke, Ai Weiwei, Rembrandt, Benjamin Clementine, John Cage, Willem de Kooning, William Turner, Antoni Muntadas, Rauschenberg, Mark Rothko, AC\DC, Philip Glass, Thomas Struth, Julian Schnabel, Vermeer, Stockhausen, Leonard Cohen, David Salle, Bernardo Sassetti, Franz Kline, Dan Flavin, Jackson Pollock, Fragonard, Anish Kapoor, Antoni Tàpies, Brian Eno, Anselm Kiefer, Ghada Amer, Shirin Neshat, Nils Petter Molvær, Peter Haley, René Aubry, Bill Viola, Courbet, Rolling Stones, Helnwein, Fiona Rae, Paula Rego, Mike Dragas, Pina Bausch, Malevich, Ron Mueck, João Penalva, Picasso, Ad Reinhardt, Millet, Gerhard Richter, Kandinsky, Francis Bacon, Jenny Saville, Ann Hamilton, Gary Hume, Caravaggio, Júlio Pomar, Cecily Brown, Cézanne, Hermeto Pascoal, Laurie Anderson, Marlene Dumas, Jeff Wall, Joseph Beuys, Velásquez, Murakami, Monet, Sol LeWitt, Joy Division, Maurizio Cattelan, Nuno Rebelo, Delacroix, Kennet Noland, Kronos Quartet, Francisco Goya, Peter Greenaway, Gary Hill, Steve Reich, Albert Oehlen. Estes são apenas alguns dos artistas que poderão estar presentes no meu trabalho, quer seja dentro da minha pintura, quer seja como companhia. Interessa-me o rigor de uns, tal como a experimentação ou loucura de outros, quer sejam realistas, minimalistas, clássicos, abstratos ou conceptuais. Na verdade, tenho dificuldade em nomear dois ou três artistas influentes para mim.

 

No seu processo de trabalho, qual a fase que mais gozo lhe dá?

– A parte final da realização de uma obra é aquela que mais prazer me dá, mais ainda, quando ela é colocada em contacto com o exterior. Penso que é justo sentir esse prazer em alguma fase do processo. Para mim, é a caminho do fim (incerto), quando começo a ver alguma coisas a tomar forma. Afinal, foi para isso que comecei.

Apesar de eu ter, à partida, uma ideia do que vou fazer, a fase inicial é sempre de expectativa, ansiedade e muitas vezes de trabalho aborrecido. Depois, pode (ou não) ser uma festa e não dar pelo passar do tempo... como posso ter uma luta inesperada para travar.  

 

Como vê o papel do artista na sociedade?

– O artista integra a sociedade como qualquer outro cidadão. O artista não trabalha para a sociedade, mas depende dela para existir. Por seu lado, a sociedade não precisa do artista, mas sim daquilo que ele é capaz de criar. Se ele existe – podemos não dar pela sua presença, mas se faltasse, a nossa existência perderia sentido. O seu papel é ser artista.

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Considera que a Arte deve ser financiada? Porquê?

– A arte deve ser financiada quando está em causa a (não)concretização de uma obra, quer do ponto de vista do artista, quer do ponto de vista do público. Eu, enquanto artista e enquanto fruídor não devo ser privado de dar a conhecer o que faço (para o outro), nem devo ser privado do que me é dado a conhecer, só porque ultrapassa a minha capacidade económica. Naturalmente, que excluo a aquisição de obras.

Tudo isto está dependente da capacidade e grau de instrução dos governantes, no que respeita a políticas culturais, tal como depende dos cidadãos para exigirem essas políticas.

Esta é uma resposta muito curta e imprecisa para uma questão pertinente e complexa. 

 

Qual a sua opinião sobre Arte e mercado?

– Desde há muito que a Arte e o mercado trabalham juntos. Há quem tenha alguma relutância em falar das duas coisas ao mesmo tempo, como se o artista trabalhasse para si próprio e o resultado desse trabalho perdesse dignidade ao ser transacionável com um valor de mercado. O valor da obra de arte, enquanto tal, não se altera só porque se lhe atribui um valor comercial. Muita da arte e anti-arte que se opunha ao mercado, acabou em museus e coleções por via de transações comerciais. Há, contudo, que fazer distinção entre a “arte comercial”, que poderá não merecer o estatuto de “arte” a partir do momento que é criada para o mercado e a obra que é criada com um fim específico, ou espontaneamente pelo artista, à qual se lhe atribui um preço. Penso que atualmente uma boa parte da comunidade artística está excessivamente envolvida com o mercado, com tendências..., em combinar as calças com as peúgas. Ao mesmo tempo que o campo da arte se expande, existem meios e técnicas considerados arcaicos face a outros novos meios que, por si só, não fazem a obra de arte. Ficamos por vezes extasiados com a espetacularidade do meio ou com a produção do artista, que nem damos conta da ausência de “arte” na obra. Por outro lado, parece haver uma certa vergonha de que uma obra possa ser entendida por mais de três pessoas, para além do artista. Há muita coisa sobrevalorizada financeiramente e assente em muitos concetualismos arcaicos de meados do século XX. A este propósito, cito Beuys, em 1964, do seu livro “Cada Homem Um Artista”: “O silêncio de Marcel Duchamp está sobrevalorizado”.